In the 1956 film High Society, the female lead played by Grace Kelly swims in a classic white bathing suit while her fiancé delivers these lines to her:
There’s a beautiful purity about you, like a statue to be worshiped.
She responds:
But I don’t want to be worshiped, I want to be loved.
And he quips back:
Well, that goes without saying, but I also want you up on a pedestal where you belong, where I can look up and adore you.
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Bad Posture, an exhibition by artist Luciana Pinchiero, traverses the dynamics between the corporeal and the sculptural in relation to the female body––the vicissitudes of objecthood and subjecthood, of being worshiped and loved.
Two Greco-Roman myths are central in Bad Posture –– Pygmalion and The Corinthian Maid ––, art-creation myths that act in tandem and as inversions of one another. Pygmalion encapsulates a patriarchal gaze, he sculpts the form of the ideal woman, and via Aphrodite’s magic, the sculpture animates into a woman for him to love. The Corinthian Maid, a more curious and mysterious story, is of a woman who renders her lover’s shadow on the wall as a keepsake while he’s away. These two myths have been regarded by many as the origin of drawing, painting, and sculpture; Regnault’s paintings of them are titled, The Origin of Painting (for The Corinthian Maid) and The Origin of Sculpture (for the story of Pygmalion). The stories have been rendered repeatedly throughout art history to meditate on art making and desire––Pinchiero continues this tradition with collage, while focusing on the form of sculpture and the body––their divergences and merging.
The central installation, the titular Bad Posture, features a 14ft plinth that six cut out figures occupy. Three of the figures are digital prints of classical statuary, Venus de Milo, Venus de Capua, and the Wounded Amazon. The other three figures in Bad Posture are from a life model book, The Human Figure: A Photographic Reference for Artists. They stretch, bend, and hold poses like the sculptures. Stillness from the models and life-like sculpted flesh conflate.
The Venus’ are thought to be replicas of lost Aphrodite sculptures by the Greek sculptor Lysippus. The lesser-known Wounded Amazon is a Roman replica of a Greek bronze original. That even the original source images in Bad Posture are also replicas themselves brings depth to the politics of authorship and authenticity that the artist plays with, skewing our cultural reliance on any original, or any origin story.
Venus de Capua is positioned as standing on a helmet, and although not present in the sculpture, her arm rises to hold the shield of the god Ares, where the goddess gazes at herself in a mirror. The gaze embedded is a vital aspect of the exhibition, and this is reflected in how Pinchiero handles monuments and monumentality within her works. The plinth hosting the cut outs in Bad Posture mimics the pedestal for monuments, for artworks, a stage for performers, and for women, the cage-like elevation we are placed on to be viewed.
Pinchiero takes the vast, monumental genre of the female nude under consideration in her art historical evaluations, going back to how the figure is rendered and how monuments are made by reflecting on the living bodies that went into the making. Beauty as Verb is her interpretation of Pygmalion, encapsulating the violence inherent in that myth, the hammer and chisel on the female figure.
Her consistent utilization of classical statuary and figure drawing models has to do with the investigation into the act of making; she creates these works with an unabating inquiry into how images are constructed, and how gender is constructed from and alongside these images. It becomes difficult to tell which way likeness is captured, much in the same way it’s not possible to pinpoint an original; is it the bodies mirroring the sculptures, or the sculptures being modeled after the posed women? Of course, the answer is both, and as a queer artist this ambiguity is fundamental. We move away from essentialism, from purity of identity, and realize we have all been spliced together with flesh, sculpture, images from film, from what we see in public space––it’s important to mention that all of the images of monuments come from Buenos Aires, the capital city of the artist’s country of origin; they are monuments she’s interacted with, and that have profoundly shaped Argentina.
Al Borde de unas Valvas Moluscas is a collage of a fountain monument from Buenos Aires and an art model; the figures in the sculpture stretch out to reach the art model as she gazes outward towards the audience. We think of the live woman who inspired the sculptural forms and the mortality of bodies as contrasting with monuments and sculpture’s impetus to last beyond our bodies, from the intimacy of the studio to the public space. Nereidas is a collage of La Fuente Monumental Las Nereidas in Buenos Aires by Argentine sculptor Lola Mora paired with a woman in a pink bathing suit basking in the fountain. Lola Mora, who lived between 1866 – 1936, is a fascinating icon herself and another obsession of the artist.
There is a preoccupation with the past in the works, none of the sources feature AI mash ups or twitchy TikTok glitches, which suggests that the remix culture of identification is nothing new. Pinchiero’s more monolithic content––monuments and an exploration of ‘classic beauty’––meditates on an enduring power, there is a whiff of authoritarianism in the content of these works, and the artist’s desire to opt out. The flattening of these bodies and sculptures, even in Pinchiero’s sculptural works, are a way to subvert the power of form and get back to the linear shape of things–– a Corinthian Maid-esque move to simplify to dissect the complexities of how women are regarded, and how art is made to enforce this binary.
In Top a nude model scales a monument. This work recalls all the direct actions that have taken place around and to monuments around the world, especially in recent years. When we tune into the actions and the bodies that surround, invent, and alter monuments, we see how power shifts over time. There’s also a humorous aspect to Top, and in many of these collages, a silliness that seeks to topple the reverence we have towards art history and monuments, a desire to top them, to turn the table on submission with the power and humor of sexuality. Nude women lounging on, and scaling monuments is an expression of Saturnalian rebellion with sapphic flair. There’s even a wonderful nod to the absurd, as the butt naked lady ascends the stone statue.
There is an inherently queer aspect to collage as a medium, and in Pinchiero’s work an explicit merging of object and subject, in which we all become things, our identities and presentations mutable, able to be cut and pasted. And even with her historic lens, this is presented as playful and sexy. There’s an overtly lesbian charge to many of the collages, in particular Sitting and Lying, where sculptures and women have a sexual charge between them, their own private relationships.
One of the heroines of the exhibition and in much of Pinchiero’s work is Greta Garbo. The old Hollywood star who is infamous for her (private) sapphic sexuality, and for her command over her (public) presentation on screen. Garbo was aware of the importance of being lit correctly to accentuate her features, she had agency over her face and form while she was regarded as an icon, her face turned to sculpture on the silver screen. Monument to The Gretas transforms a monument in Buenos Aires into a monument to Garbo with cut outs of the actress from three different films. The artist constructs her statuesque fantasy to the lesbian icon, remaking what may be considered monumental.
Posturing is the deceptive performances we engage in to make others think we are more successful, more put together, tougher, or even more feminine than we really are. What’s the deception in Bad Posture? Is it sculpture’s ability to transform stone into flesh? The fissures of authorship? The desire to make a woman, including the self, into one’s own?
Pinchiero doesn’t focus on subjecthood as a simple way out of objectification (the art models aren’t images of subjecthood), but rather lays out a wide swath of objecthood within the realms of art making––sculpture, monuments, storytelling, collage, and filmmaking––where we all merge with representation and objects. The Line she Traced, a series of works, embodies The Corinthian Maid. The artist splices her reference materials––stills from old Hollywood, monuments and art models with dark shadows and figures cut out of a cool fountain blue. The cuts and slices offer an agency while also distancing the artist’s hand, which in art history has been largely deified to convey singular truth. The relational aspect of artmaking, that between the artist and the object, is central in Bad Posture, and with that, a refreshing refusal of authorship––the infamous sculptures that aren’t originals, the face of Garbo becomes a mask, the models who enact sculptural forms become them.
Text by Jillian McManemin
En la película de 1956 Alta sociedad, la protagonista femenina, Grace Kelly, se baña en un clásico traje de baño blanco mientras su prometido le dice estas palabras:
Hay una hermosa pureza en ti, como una estatua a la que adorar.
Ella responde:
Pero yo no quiero ser adorada, quiero ser amada.
Y él le responde:
Bueno, eso no hace falta decirlo, pero también te quiero en un pedestal donde pertenezcas, donde pueda mirarte y adorarte.
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Bad Posture, una exposición de la artista Luciana Pinchiero, recorre la dinámica entre lo corpóreo y lo escultórico en relación con el cuerpo femenino: las vicisitudes de la condición de objeto y de sujeto, de ser adorada y amada.
Dos mitos grecorromanos ocupan un lugar central en Mala postura: Pigmalión y La doncella corintia, mitos de creación artística que actúan en tándem y como inversiones el uno del otro. Pigmalión encierra una mirada patriarcal, esculpe la forma de la mujer ideal y, mediante la magia de Afrodita, la escultura se anima hasta convertirse en una mujer a la que él puede amar. La Doncella de Corinto, una historia más curiosa y misteriosa, es la de una mujer que plasma la sombra de su amante en la pared como recuerdo mientras él está ausente. Estos dos mitos han sido considerados por muchos como el origen del dibujo, la pintura y la escultura; los cuadros de Regnault sobre ellos se titulan El origen de la pintura (para La doncella de Corinto) y El origen de la escultura (para la historia de Pigmalión). Las historias se han representado repetidamente a lo largo de la historia del arte para meditar sobre la creación artística y el deseo; Pinchiero continúa esta tradición con el collage, al tiempo que se centra en la forma de la escultura y el cuerpo, sus divergencias y fusiones.
La instalación central, Bad Posture, cuenta con un zócalo de cuatro metros que ocupa seis figuras recortadas. Tres de las figuras son impresiones digitales de estatuas clásicas: la Venus de Milo, la Venus de Capua y la Amazona herida. Las otras tres figuras de Bad Posture proceden de un libro de modelos de vida, The Human Figure: A Photographic Reference for Artists. Se estiran, se doblan y mantienen posturas como las esculturas. La quietud de los modelos y la naturalidad de la carne esculpida se confunden.
Se cree que las Venus son réplicas de esculturas perdidas de Afrodita realizadas por el escultor griego Lisipo. La Amazona herida, menos conocida, es una réplica romana de un bronce griego original. El hecho de que incluso las imágenes originales de Bad Posture sean a su vez réplicas profundiza en la política de autoría y autenticidad con la que juega el artista, desvirtuando nuestra confianza cultural en cualquier original o historia de origen.
Venus de Capua aparece de pie sobre un yelmo y, aunque no está presente en la escultura, su brazo se eleva para sostener el escudo del dios Ares, donde la diosa se mira en un espejo. La mirada incrustada es un aspecto vital de la exposición, y esto se refleja en cómo Pinchiero trata los monumentos y la monumentalidad dentro de sus obras. El zócalo que alberga los recortes de Bad Posture imita el pedestal de los monumentos, de las obras de arte, el escenario de los artistas y, en el caso de las mujeres, la elevación en forma de jaula en la que se nos coloca para ser miradas.
Pinchiero toma en consideración el vasto y monumental género del desnudo femenino en sus evaluaciones históricas del arte, volviendo a cómo se representa la figura y cómo se hacen los monumentos reflexionando sobre los cuerpos vivos que participaron en su creación. La belleza como verbo es su interpretación de Pigmalión, que encierra la violencia inherente a ese mito, el martillo y el cincel sobre la figura femenina.
Su constante utilización de estatuas clásicas y modelos de dibujo tiene que ver con la investigación sobre el acto de crear; crea estas obras con una incesante indagación sobre cómo se construyen las imágenes y cómo se construye el género a partir de esas imágenes y junto a ellas. Resulta difícil decir en qué sentido se capta la semejanza, del mismo modo que no es posible señalar un original: ¿son los cuerpos los que reflejan las esculturas, o son las esculturas las que se modelan a partir de las mujeres que posan? Por supuesto, la respuesta es ambas cosas, y como artista queer esta ambigüedad es fundamental. Nos alejamos del esencialismo, de la pureza de la identidad, y nos damos cuenta de que todos hemos sido empalmados con la carne, la escultura, las imágenes del cine, de lo que vemos en el espacio público; es importante mencionar que todas las imágenes de monumentos proceden de Buenos Aires, la capital del país de origen de la artista; son monumentos con los que ella ha interactuado y que han moldeado profundamente Argentina.
Al Borde de unas Valvas Moluscas es un collage de una fuente monumental de Buenos Aires y una modelo artística; las figuras de la escultura se estiran para alcanzar a la modelo artística mientras ésta mira hacia el público. Pensamos en la mujer viva que inspiró las formas escultóricas y en la mortalidad de los cuerpos en contraste con los monumentos y el ímpetu de la escultura por perdurar más allá de nuestros cuerpos, desde la intimidad del estudio al espacio público. Nereidas es un collage de la Fuente Monumental Las Nereidas de Buenos Aires de la escultora argentina Lola Mora emparejado con una mujer en bañador rosa tomando el sol en la fuente. Lola Mora, que vivió entre 1866 y 1936, es en sí misma un icono fascinante y otra obsesión del artista.
Hay una preocupación por el pasado en las obras, ninguna de las fuentes presenta mash ups de IA o glitches nerviosos de TikTok, lo que sugiere que la cultura de la remezcla de la identificación no es nada nuevo. El contenido más monolítico de Pinchiero -monumentos y una exploración de la “belleza clásica”- medita sobre un poder duradero, hay un tufillo de autoritarismo en el contenido de estas obras, y el deseo del artista de excluirse. El aplanamiento de estos cuerpos y esculturas, incluso en las obras escultóricas de Pinchiero, son una forma de subvertir el poder de la forma y volver a la forma lineal de las cosas, un movimiento similar al de la Doncella Corintia para simplificar y diseccionar las complejidades de cómo se considera a las mujeres y cómo se hace arte para imponer este binario.
En Top, una modelo desnuda escala un monumento. Esta obra recuerda todas las acciones directas que han tenido lugar alrededor y hacia monumentos de todo el mundo, especialmente en los últimos años. Cuando sintonizamos con las acciones y los cuerpos que rodean, inventan y alteran los monumentos, vemos cómo el poder cambia con el tiempo. También hay un aspecto humorístico en Top, y en muchos de estos collages, una tontería que pretende derribar la reverencia que tenemos hacia la historia del arte y los monumentos, un deseo de superarlos, de darle la vuelta a la tortilla de la sumisión con el poder y el humor de la sexualidad. Mujeres desnudas descansando y escalando monumentos es una expresión de rebelión saturnal con un toque sáfico. Incluso hay un maravilloso guiño al absurdo, cuando la mujer desnuda de nalgas asciende por la estatua de piedra.
Hay un aspecto intrínsecamente queer en el collage como medio, y en la obra de Pinchiero una fusión explícita de objeto y sujeto, en la que todos nos convertimos en cosas, nuestras identidades y presentaciones son mutables, capaces de ser cortadas y pegadas. E incluso con su lente histórica, esto se presenta como algo lúdico y sexy. Hay una carga abiertamente lésbica en muchos de los collages, en particular en Sitting and Lying, donde las esculturas y las mujeres tienen una carga sexual entre ellas, sus propias relaciones privadas.
Una de las heroínas de la exposición y de gran parte de la obra de Pinchiero es Greta Garbo. La antigua estrella de Hollywood, famosa por su sexualidad sáfica (privada) y por su dominio de su presentación (pública) en la pantalla. Garbo era consciente de la importancia de estar correctamente iluminada para acentuar sus rasgos, tenía agencia sobre su rostro y su forma mientras era considerada un icono, su rostro convertido en escultura en la gran pantalla. Monumento a las Gretas transforma un monumento de Buenos Aires en un monumento a Garbo con recortes de la actriz de tres películas diferentes. La artista construye su fantasía estatuaria al icono lésbico, rehaciendo lo que puede considerarse monumental.
Las poses son las actuaciones engañosas que realizamos para hacer creer a los demás que tenemos más éxito, que estamos más arreglados, que somos más duros o incluso más femeninos de lo que realmente somos. ¿Cuál es el engaño en Bad Posture? ¿Es la capacidad de la escultura para transformar la piedra en carne? ¿Las fisuras de la autoría? ¿El deseo de hacer propia a una mujer, incluida la propia?
Pinchiero no se centra en la subjetividad como una simple salida de la objetivación (los modelos artísticos no son imágenes de la subjetividad), sino que establece una amplia franja de objetivación dentro de los ámbitos de la creación artística -escultura, monumentos, narración, collage y cine- en los que todos nos fundimos con la representación y los objetos. The Line she Traced, una serie de obras, encarna La doncella corintia. La artista empalma sus materiales de referencia: fotogramas del viejo Hollywood, monumentos y modelos artísticos con sombras oscuras y figuras recortadas en el azul frío de una fuente. Los cortes y rebanadas ofrecen una agencia a la vez que distancian la mano del artista, que en la historia del arte ha sido en gran medida deificada para transmitir una verdad singular. El aspecto relacional de la creación artística, la relación entre el artista y el objeto, es fundamental en Bad Posture, y con ello, un refrescante rechazo de la autoría: las esculturas infames no son originales, el rostro de Garbo se convierte en una máscara, los modelos que representan las formas escultóricas se convierten en ellas.
Texto de Jillian McManemin
