Mirar sin prejuicios

Se vendieron cinco millones de dólares en obras y hubo más de siete mil visitantes.

Por: Ana María Battistozzi

Al concluir anoche su primera salida a la escena neoyorquina, la feria de arte contemporáneo latinoamericano Pinta computaba ventas por cinco millones de dólares y más de siete mil visitantes. Nada despreciable para una primera vez. No pareciera mera coincidencia la relación entre estos números, la media docena muestras dedicadas al arte latinoamericano moderno y contemporáneo que se encuentran en exhibición en estos días en la ciudad, el hecho de que las subastas de arte latinoamericano en Sotheby's y Christie's tengan lugar en Manhattan esta semana y el artículo de Holland Cotter que apareció el lunes en The New York Times ponderando la feria, el diseño de montaje y la calidad de las obras presentadas.

Si el plan de los organizadores fue desplegar lo mejor de su artillería para sacar provecho de estas circunstancias, no cabe duda que tuvo efecto. El destacado grupo de directores de museos y coleccionistas que suelen arribar con ánimo comprador a la ciudad en estas fechas, pasó por la feria y esto se hizo sentir en el balance de las galerías que hicieron el esfuerzo de venir. Todas vuelven con una razonable lista de de obras vendidas. Desde la primera venta de las fotos de Marta Minujín que compró Eduardo Costantini para el Malba, a las fotografías de Anne Marie Henrich y Anatole Saderman que vendió Vasari, también en el día de la apertura, la chapa de Ary Brizzi y el relieve de Raúl Lozza que salieron entre el sábado y el domingo del stand de Gianni Campochiario y las fotos de Andrea Juan que Praxis vendió al Museo del Barrio, todos a su turno fueron reemplazando las obras presentadas el primer día y ese no es un dato menor.

Vendieron las galerías argentinas, las brasileñas, venezolanas y las que tienen base en Nueva York que pudieron multiplicar su acción en varias direcciones por la proximidad. Cecilia de Torres, por caso exhibió en su stand unas espléndidas obras de Gego y de Polesello, mientras negociaba con el Museo de Houston la venta de una extraña pintura monocroma de José Gurvich y en su galería de Green Street ofrece una refinada selección de esculturas de León Ferrari.

Nada es casual. Hoy abre en el MOMA, la que podría ser considerada una de las exhibiciones más abarcativas de arte latinoamericano que ha mostrado la institución en los últimos años. Curada por el investigador venezolano Luis Enrique Pérez Oramas, a cargo del Fondo par el Arte Latinoamericano que creó la coleccionista Estrellita Brodsky, "New perspectives in Latin American Art 193O-2006", reúne cerca de doscientos trabajos de artistas latinoamericanos que fueron adquiridos por el museo en los últimos diez años, entre ellos un importante grupo de argentinos.

El conjunto ofrece una visión totalmente distinta de la que Nueva York ha tenido hasta ahora sobre el arte latinoamericano. Un dato fundamental es que prácticamente no hay artistas mexicanos, hasta hace un par de años una presencia casi excluyente. En cambio los venezolanos, brasileños y argentinos geométricos y conceptuales tienen importante protagonismo. Es muy impactante ingresar a uno de los pisos del nuevo MOMA y encontrarse con obras de León Ferrari, Víctor Grippo y Eduardo Stupía. Para quienes hemos frecuentado en la última década este museo, este tipo de encuentros con el arte argentino y brasileño eran imposibles. Pinta se benefició en estos días de lo que se esperaba de esta muestra pero fundamentalmente de la recepción que tuvo "The Geometry of Hope", la exhibición de la colección Cisneros en la Grey Gallery de la Universidad de Nueva york. En su comentario del lunes en The New York Times, Cotter se lamentaba de lo poco que esta ciudad conoce sobre este capítulo del arte de su continente.

Tradición y Modernidad

La primera edición de la exposición Diseño contemporáneo Argentino de Praxis Arte Internacional se llama Materiales tradicionales-Visiones contemporáneas, y el título lo dice todo. Con curaduría del arquitecto Gastón Girod, la muestra analiza las formas en las que un material tradicional, el cuero (seleccionado por sus vínculos con la identidad argentina), se puede llevar a límites extremos en el diseño con el objetivo de "mostrar su versatilidad y posibilidades de uso". Se inauguró el 29 de junio y permanecerá abierta hasta el 25 de julio, de lunes a viernes, de 10.30 a 20, y los sábados, de 10.30 a 14, con entrada libre en Praxis, Arenales 1311.

Carlos Masoch es un pintor que exposición tras exposición demuestra una total coherencia entre temática y discurso estético. Va por el riesgoso camino del surrealismo temático, en el rumbo inaugurado de Paul Delvaux -descendiente sentimental del Aduanero Rousseau- de quien tiene la inclinación por unos climas de acechanza y suspenso logrados con los tonos bajos.

Los temas parecen infinitos en los pequeños soportes de Masoch, porque son los elegidos y propuestos por él, más los que surgen gracias a un mágico entrevero de imágenes en la mente del contemplador.

En este momento, son contados con los dedos de una mano los artistas que como Carlos Masoch pueden conmocionar con el metodología tradicional de la pintura.

En Praxis, Arenales 1311, hasta el 27 de septiembre, de lunes a viernes 10.30 a 20, sábado de 10.30 a 14. 

Zanela menciona que un concepto recurrente en su obra es la anamorfosis, vocablo de origen griego que significa transformación. De acuerdo al diccionario: «pintura o dibujo que ofrece a la vista una imagen deforme y confusa, o regular y acabada, según desde donde se la mire». Un ejemplo clásico de la Historia del Arte es «Los Embajadores» de Hans Holbein, el Joven, (1497/1543). Los personajes, Jean de Dinteville y el obispo Georges de Selve, ambos diplomáticos franceses, apoyan sus brazos sobre una estantería en la que hay, entre otras cosas, instrumentos astronómicos y objetos científicos. Parados sobre un piso de mosaicos, de éste surge un objeto que lo cruza oblicuamente y que parece levitar y en el que se ve un cráneo estirado, como en un espejo deformante.
 

El mensaje oculto de este famoso cuadro que se encuentra en la National Gallery de Londres, es que nada, ni la ciencia ni la religión pueden contra la muerte. Hay otros ejemplos como el grabado de Goya en el que un personaje observa una sombra proyectada en el piso, la inscripción dice: «Por más que la busques no la encontrarás...», y también las famosas «Meninas» velazquianas. Como estos ejemplos, las fotografías de Zanela exigen un ejercicio de percepción sostenida, el contemplador queda intrigado, siente que hay algo distinto a lo que percibe, surge el sentimiento de la presencia de lo ambiguo y trata de adivinar dónde se encuentra lo diferente.
 

El frecuentador de exposiciones quizás se dé cuenta de que están tomadas en la terraza de la Fundación-Proa, el Palais de Glace, el Centro Cultural-Borges. Las imágenes nítidas, impecables, con elementos nada románticos: una aspiradora, un cable en el aire que forma un cuadrado, un damero sobre un piso de madera. Zanela dibuja, construye en el espacio, y ese ejercicio de percepción sostenida mencionado es el que reclama el autor ya que considera «la percepción visual como estadio inicial de un acto reflexivo», acto que se ha perdido en medio de una explosión de imágenes que no da tregua. Cierra el 30 de julio.

Desde hace varios años, la obra de Augusto Zanela explora la construcción de imágenes que se cuelan en los intersticios de la realidad. Recurriendo al método de la anamorfosis -que data de la pintura renacentista pero que fue utilizado con mayor frecuencia por los artistas manieristas- Zanela pone a prueba la percepción y su rol en la edificación del universo visual, para interrogarnos sobre la naturaleza de nuestra visión, de los medios que la posibilitan y de su mediación en la conformación de aquello que llamamos realidad.

La anamorfosis es un procedimiento de representación que produce una distorsión calculada sobre el objeto representado, determinando que su percepción sólo sea posible desde un punto de vista preestablecido. Fuera de ese punto, la figura es irreconocible. Pero cuando el lugar de visión coincide con ese punto, la figura se reconstruye reclamando su presencia en el espacio de la representación.

Ese juego misterioso, que en la pintura quedaba librado a la perspicacia del espectador, aquí está resuelto de entrada mediante el posicionamiento de la cámara en el punto preciso donde aparece la figura. De esta forma, si el espectador de la pintura manierista descubría un objeto oculto en el contexto de una representación realista, el espectador de las fotografías de Zanela, anclado en la figura des-ocultada, debe más bien intuir la realidad que la circunda, que aparece extrañada.

Invirtiendo el juego anamórfico, el artista escenifica de alguna manera un triunfo de la imagen sobre la realidad, triunfo que se funda en la relación mediatizada que tenemos con ésta.

En un recuento de fotografías que van del año 1997 al 2004, la muestra recorre diferentes instancias de esta contienda entre realidad, representación y percepción. La referencia a la realidad es un núcleo significativo en un doble sentido: en primer lugar, porque las fotografías son el resultado del registro de una instalación que el artista realiza previamente en un espacio físico, y que siempre aparece como contexto de la anamorfosis; en segundo término, porque el artista recurre voluntariamente a un medio –la fotografía- responsable durante años de la construcción del espacio objetivo que se dio en llamar realidad.

A través de su obra, Zanela apunta tanto al cuestionamiento de esa realidad como al de su representación. Y en su análisis, la intermediación de la tecnología es fundamental. No se trata simplemente de encontrar una multiplicidad de miradas allí donde la ciencia intentó postular una realidad única. Se trata, asimismo, de investigar las mediaciones en nuestro camino hacia la construcción del mundo sensible.

En otra pieza presente en la muestra -que parte de un homenaje a Marcel Duchamp- este hecho queda nuevamente plasmado. Aquí Zanela recurre al feedback, un procedimiento de retroalimentación de imágenes que genera una especie de infinito visual, allí donde sólo hay un objeto en movimiento –una rueda que gira sobre un banco, como en la Rueda de bicicleta del artista francés. La mise-en-abyme del objeto representado vuelve a llamar la atención sobre la articulación de realidad y representación, aludiendo a la idea de diferentes niveles de realidad coexistentes, como postula el pensamiento oriental.

Que la realidad no es única ya nos lo enseñan los medios de comunicación: así lo señala insistentemente Gianni Vattimo. Pero Zanela va más allá de esa mera constatación. Su obra elabora una poética alrededor de ese hecho, insinúa que hay un mundo de formas que pueden pasar inadvertidas a nuestros ojos, y que la realidad es todavía un universo por explorar.

Hasta el 26 de julio en Galería Praxis, Arenales 1311.

En el año 1913 Marcel Duchamp realizó, su primer ready made, y al elevar un vulgar objeto de la vida cotidiana a la categoría de obra de arte, sembró dudas eternas sobre el criterio de lo que se considera de orden artístico. Desde entonces, los artistas han bebido de la fuente inagotable de Duchamp y jugando con el carácter inescrutable y desconcertante de las cosas.

La muestra de Augusto Zanela que exhibe la galería Praxis de la calle Arenales, ostenta el mismo afán provocativo del autor de los ready made, y obliga al espectador a mirar desde un punto de vista critico el aspecto de las obras, a cotejarlas con la realidad, a cuestionar su sentido o sinsentido y, de este modo, a formar parte del proceso creativo.

Zanela abre la exhibición con un bellísimo homenaje a Duchamp. Presenta la rueda de bicicleta en movimiento y toma la imagen con dos cámaras, una la proyecta sobre la obra y la otra sobre un muro, creando un vertiginoso caleidoscopio de reflejos que envuelve al espectador. En el resto de las salas muestra su trabajo de los últimos diez años, sus fotografías sobre el fenómeno óptico de la anamorfosis (que hace que las imágenes de las cosas se vean deformadas y, para ser vistas correctamente, demanden una perspectiva especial).

Si bien la explicación de la serie se torna compleja, las imágenes resultan reveladoras, la complejidad es resultado del modo en que el artista utiliza efectos ópticos, elementos de la arquitectura y citas a la historia del arte moderno. Se trata de una muestra donde el arte reflexiona sobre el arte, y donde la erudición, tanto la del artista como la del espectador, es un lujo extra, que posibilita filiar obras (desde Malevich a Jeff Koons) y abre camino al placer intelectual.

"El arte no es lo que se ve, se encuentra en los vacíos que abre", decía Duchamp y Zanela comparte ese carácter enigmático.

Por: Ana Martínez Quijano

Ambito Financiero, Buenos Aires, lunes 24 de julio de 2006.

El artista presenta una selección de obras que reúne imágenes electrónicas, videos y fotografías. Zanela, que recibió el Gran Premio de Honor en el Salón Nacional de Artes Visuales 2004, concibió una obra que, al decir del critico Gonzalo Aguilar, “tiene la virtud de ser en un principio entretenida y, a medida que avanza su juego, una de las ultimas versiones de nuestra paranoia.

El viernes 30, a las 19, se inaugura una muestra de fotografías y videoinstalaciones de Augusto Zanella en la galería Praxis (de Arenales 1311). La exposición abarca el período 1997-2004 e incluye algunas obras inéditas junto con otras recientes del campo del video y la imagen electrónica. Estas obras le valieron reconocimientos tales como el Gran Premio de Honor en el Salón Nacional de 2004 –Nuevos medios e instalaciones–. Según el crítico y teórico español José Jiménez, se trata de una obra “que se articula como un juego de espejos, como una inquisición sobre los desplazamientos de la mirada. Pero también como un juego interactivo con el espectador, sin cuya intervención activa la obra se diluye. Por otra parte, en la sede que la misma galería tiene en la calle Arroyo al 800 se inagura, el mismo día y a la misma hora, una muestra de los artistas mendocinos Laura Valdivieso y Miguel Gandolfo. Las exposiciones siguen hasta el 26 de julio.

La galería praxis inaugura el viernes una muestra imperdible de Augusto Zanela, compuesta por fotografía, video e instalación. El artista es heredero de la fascinación por el sortilegio que inspiro al venezolano Jesús Soto. Claro, es un heredero del siglo XIX, que utiliza como un mago las nuevas tecnologías.

Ana Martínez Quijano.

Ámbito Financiero, Buenos Aires, lunes 26 de junio de 2006.